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2/03/2021

El drago del "Jardín de las delicias"

PILAR SILVA, Comisaria de "El Bosco, La exposición del V centenario" 2016  
El drago de 'El jardín de las delicias' no estaba originalmente

La comisaria explica a RTVC.es los detalles de cómo se incluyó la imagen del drago en 'El jardín de las delicias'.
'El Bosco. La exposición del V centenario' con motivo del aniversario de la muerte de Jherominus van Aken 'el Bosco' (1450-1516), uno de los artistas más personales de la plástica occidental. Un nombre cuya influencia traspasa los límites del tiempo y cautiva a autores tan significados como Salvador Dalí, en pleno siglo XX.

- ¿Por qué un drago en 'El jardín de las delicias'?
      Con la nueva investigación que hemos realizado puedo decir que la composición del Paraíso, en origen, no era tal y como la conocemos hoy. Había representado en modo tradicional a Adán y Eva y Dios Padre, situados más arriba, donde hoy podemos ver la Fuente de los cuatro ríos. En un primer momento él no había incluido el drago ni la fuente. El drago actual oculta la cabeza de ese primer Adán. Esto quiere decir, que el comitente -Engelbert II de Nassau, conde de Nassau, señor de Breda- incorporó este motivo considerándolo como Árbol de la Vida. El Árbol de la Ciencia se sitúa en el plano derecho.


- ¿Sabemos si el pintor conocía esta especie vegetal o bebió de alguna fuente como dibujos o grabados? ¿Conocemos más casos de este tipo de representaciones en la plástica?
      Probablemente, a través de un dibujo o de un grabado -como el de Martin Schongauer (1448-1491)-, o a través de algún contacto directo con Madeira o Canarias. Este árbol era ya bastante famoso por sus supuestas propiedades medicinales y la 'sangre de drago'. Es probable que conociera ese grabado o algún dibujo de alguien que pudiera haber visto un ejemplar de drago.
      En cierta manera, el drago es un árbol mitológico relacionado con las Islas Canarias, Islas Afortunadas que se asocian desde la antigüedad con el Paraíso. Es un árbol originario del Paraíso, que el pintor o su comitente quiso que se incluyera en el 'Paraíso' de 'El jardín de las delicias'.
      Los grabados no eran difíciles de conseguir. Se manejaban en los monasterios, los impresores... no sería difícil para el Bosco o su comitente, Engelbert II de Nassau, acceder a estas fuentes impresas. Los grabados de Schongauer, por ejemplo, tienen una difusión muy amplia. También llegan a España de la mano de los mercaderes e impresores.
      Sin embargo, la originalidad del Bosco es tan grande que se separa de las fuentes, aunque beba de ellas, no las imita y es difícil reconocerlas. El Bosco tiene una imaginación desbordada.

- Uno de las últimas investigaciones apuntan a que, en un primer momento, el pintor no incluyó el drago en la composición original.
      Lo importante, y que hemos documentado recientemente, es que el pintor no concibió la tabla como hoy la conocemos. La reflectografía infarroja ha permitido conocer la composición primigenia de la tabla. Es algo que se añade por deseo expreso de que el Paraíso tenga ese drago canario. La visión de las Islas Afortunadas como el Paraíso se traslada a la tabla.

- La imprenta fue fundamental en la época. Una auténtica revolución cultural.
      Sin duda. Además, el Bosco no era un iletrado. Era alguien que leía, que escribía, con un determinado nivel cultural por encima de la media entre los artistas de su tiempo. Sin ir más lejos, en su propia ciudad natal se localizaban importantes bibliotecas, como la del convento de los dominicos.


- ¿Cómo llega el tríptico a España?
      Por nuevos datos que nos han llegado sobre la fecha de la realización del tríptico de la 'Adoración de los Magos', que se ha situado hacia 1494, debemos adelantar la producción del artista en esa primera etapa. Por ello situamos 'El jardín de las delicias' en torno a la década de 1490; lo debió de hacer en 1498. Desde esa fecha permanece en el palacio de los Nassau en Bruselas.
      El tríptico permanece en la Casa de Nassau durante cuatro generaciones. Guillermo de Orange, último propietario, debe huir de Bruselas tras el levantamiento, y es el portero, quién se queda a cargo del palacio, el que escondió la tabla. Es una información que hemos podido conocer por la documentación localizada en 2001.
      El duque de Alba -Fernando Álvarez de Toledo-, interesado por la pintura, mandó atormentar al portero, quién finalmente desveló el paradero de la obra. Los bienes de Orange fueron incautados y cedió 'El jardín de las delicias' a su hijo ilegítimo, a la sazón prior de la Orden de San Juan, don Fernando; a la muerte del duque, Felipe II compró la pintura en la almoneda, y pasó definitivamente a El Escorial.
      En 1933 se trasladó al Museo del Prado para su restauración, aunque tras el estallido de la Guerra Civil se decidió que permaneciera en la pinacoteca. (...)


Aquí la entrevista completa

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2/04/2019

METAMORFOSIS DE DAFNE 
La pervivencia de un mito en el arte 

     Esta es una serie de trabajos de diferentes artistas de diversos tiempos. El tema es el siempre inspirador de la arrogancia y el honor, o del deseo y el rechazo.
Apolo y Dafne (1460) de Epître d’Othéa.
Antonio del Pollaiuolo (1432-1498)
 Agostino Veneziano y Maestro del Dado (1532-1533)
Maestro del Dado - (1532-1533)

Christoph Murer - 1580

Goltzius, Hendric (Muhlbrecht 1558- Haarlem 1617)
  Paolo Veronese (1560 – 1565)
Escuela florentina

 Peter Paul Rubens (1577-1640)

 Giovanni Biliverti (1585-1644)
 Francesco Albani (1615–1620)

Gian Lorenzo Bernini (1622-1625)



Jean Baptiste Van Loo (1684-1745)  Museo de Arte de Budapest

Carlo Maratta, 1681

Giambattista (Giovanni Battista) Tiepolo 1745
Benedetto Luti, 1770
Palacio del Agua (Pałac Na Wyspie Varsovia)
Jean-Etienne Liotard (1702-1789)

Andrea Appiani - 1794

Robert Lefever (1755-1830)
Théodore Chassériau, 1845
Theodore Chassériau (1819-1856)
John William Waterhouse, 1908
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La terra è liberata (Apollo e Dafne) HWV 122 es una cantata secular compuesta por Georg Friedrich Händel entre 1709-10 basada en el mito de Apolo y Dafne. Händel comenzó la obra en Venecia en 1709, pero la terminó en Hanover después de llegar en 1710 para asumir el cargo de Kapellmeister del Elector, quien posteriormente sería rey Jorge I de Gran Bretaña. La obra es una de las cantatas más ambiciosas de Händel, y es un indicativo de la brillante carrera operística que desarrollaría en los siguientes 30 años de vida.
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3/09/2018

8/15/2017

EL ÁRBOL EN EL ARTE
en http://wetreesinart.tumblr.com/

Jason Middlebrook (American, born 1966), Underlife, 2010-2013, Steel, fiberglass, glass tile, mortar and grout, 16 x 40 x 30 feet, Buffalo NY, Permanent collection Albright Knox
 Johanna Calle (Colombian, born 1965), Perimetros II, 2014, Typed text on Japanese Paper, 249 × 186 cm
 Alfred Lombard (Fr., 1884 - 1973), Bord de mer, vers 1905, huile sur toile, 55 x 81,5 cm
 Michel Buylen (Belgian, b. 1953), Ripa VIII (Beastly weather). Acrylic on hardboard, 25 x 35 cm.
 Miscellanea d'alchimia, Codex Ashburnham 1166, folio 16, Florence, Biblioteca Medicea Laurenziana di Firenze
 Henri-Joseph Harpignies (1819 – 1916), Landscape with an Artist Sketching, 1885, Watercolor Over Graphite On Heavy Wove (Paper Dimensions: Sheet: 280 x 395 mm (11 x 15 9/16 in.)
 Leo Piron (Belgian, 1899-1962), White Farmhouse. Oil on canvas, 45.5 x 55 cm.
Andy Warhol (American, 1928-1987). Do It Yourself (Landscape), 1962. Acrylic, pencil and Letraset on linen. 69 ¾ x 54 1/8 in. (177.2 x 137.5 cm), Cologne, Museum Ludwig 
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1/07/2016

VINCENT VAN GOGH, (Países Bajos, 1853-1890)
... y los árboles (1)

 

 

Jean-Baptiste Camille Corot, Ville d'Avray, 1873

Este primer cuadro es una pintura del realista francés del siglo XIX, Corot. Vang Gohg conoció y amó su pintura durante su estancia en París antes de de desplazarse al Midi francés, donde desarrolló toda su carrera pictórica.

Alameda en otoño, 1884 (óleo), Amsterdan RVVG
     Estos paisajes de atardecer tan amados por Vincent, son fiel representación de la influencia del impresionismo que él conocía de su estancia en Paris. Este magnífico paisaje que abunda en naranjas, con esa calle o camino rural flanqueado de álamos, bien podría ser una composicion de Corot (pintor un poco anterior y mas realista, incluso de Curbert que es de los primeros pintores franceses que deja el estudio y sale al campo, a la naturaleza a descubirla y pintarla al natural). Vincent también sale a nutrirse y a desarrollar su sensibilidad mirando, caminando, pateando los campos del mediodía francés. No hay que olvidar que primero se entonaba con absenta y luego vivía una experiencia de empatía extrema con lo que veía. Este es el ánimo y la predisposición de V. Gogh: un sistema nervioso muy excitado, una sensibilidad a flor de piel y un fuerte amor a la naturaleza y a la vida, que le llevaron a apasionarse por la pintura como único vehículo de expresión de su sensibilidad.
     Podemos decir que tuvo una vida trágica y extrema y fue, lo que hoy diríamos, un inadaptado, pero en su afán y amor por dar lo mejor de sí lo consiguió con la pintura, a costa de su tragedia vital.

 Avenida entre álamos en el ocaso, 1884 (óleo), Otterlo RK-M
     Decía que esos primeros cuadros que recuerdan composiciones de Corot -hay que detenerse en la casa al fondo que tiene un trazado torpe, casi infantil-. También la figura femenina es torpe, de factura inexacta o limitada, desde el punto de vista de la realización. 
     V. Gogh consideraba que nunca llegaría a ser un gran pintor por la torpeza de su dibujo, conocía su falta de habilidad, no hay que olvidar que es de los primeros pintores enteramente autodidactas. 
      Pero qué decir de la luz y de la atmósfera naranja envolvente y emocionante que pocos impresionistas consiguieron hacer. Aquí hay que detenerse. Esos árboles son impactantes (no conozco personalmente ninguno de estos dos cuadros y he visto mucha obra en vivo de nuestro amado V. G.) 
     Estos árboles tienen su alma, están mucho más vivos que los de Corot (la composicion es similar, la luz y frescura del natural también, pero en Corot con un gran conocimiento naturalista de pintor académico). V. G. suple su torpeza de dibujo naturalista con su expresividad. Y aquí está una de las cosas que ha dejado para la historia y que ha marcado todo el siglo XX posterior a él. Todo el expresionismo, ese gran estilo que nace en él se irá reinventando a lo largo del siglo pasado (Blau Reiter, Jinete Azul, Expresionistas Alemanes de principios del siglo XX, Expresionistas Abstractos Americanos de los 50, Informalistas, Neoexpresionistas de los 80 y pintores actuales). Todos estamos marcados por algo que tienen ya estos cuadros primeros de V. G.. 
     No me importa repetirme en esta idea para que quede clara. Él no pinta sólo con la mirada, pinta con el corazón, con el alma...  Él se hace árbol, empatiza tanto que no es fiel a la realidad como hacía Corot, al que amaba tanto e intentaba imitar. Se separa de ese realismo porque no sabe hacerlo, no tiene academia, pero lo sustituye con la deformación, la simplificación y ganando emocion.

Texto: Juan Belzunegui, pintor 

Pensamiento: (Trasncripción de una charla con Juan Belzunegui a propósito de los árboles en la pintura de Van Gogh)
      Toda experiencia artística tiene un componente de sutilidad, si no lo alcanzamos no hay esperiencia espiritual, se pierde la espiritualidad.
      Y ¿qué es la sutilidad? Un ejemplo nos lo aclarará. Cuando vemos cuadros reproducidos en el ordenador o en libros... nos perdemos una vibración cromática que sólo la encontramos en el cuadro original y que es la que el pintor ha puesto. Cuando escuchamos música sabemos claramente que es muy distinto escuchar a Mahler en concierto a escucharlo en CD. Esa diferencia es la que explica la gran diferencia al ver estos árboles de Van Gogh en la reprodución que arriba tenemos.
Sería coveniente que nos acercáramos a los museos, lo mismo que a las salas de concierto, etc.
En las artes las diferencias más visibles están en la pintura, la música, el teatro...  porque en la poesía el poema se hace vivo cada vez que alguien lo recrea, lo lee, entonces vuelve a existir.
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